Educación musical: disciplina de segundo orden en el currículum chileno. ¿Por qué es importante integrarla más?
~ Introducción
La sociedad chilena ha sido testigo de una serie de cambios y
modificaciones en el currículum escolar conforme surgen nuevas y diferentes
necesidades al interior de las mismas sociedades. Los enfoques, planes y
programas educativos han sufrido transformaciones evidentes acordes con las
propuestas que emanan de las nuevas investigaciones y evaluaciones en materias
de educación. Las consecuencias que han traído dichas modificaciones son de
diversa índole y probablemente, no todas sean tan beneficiosas como parecen en
primera instancia. Ejemplo de esto último es la situación actual de la
Educación Artística al interior del currículum chileno; especialmente, el que
más preocupa para efectos de este escrito: el caso de la Educación Musical.
La narrativa siguiente busca analizar este déficit de música al interior
de las escuelas y explicitar la multiplicidad de oportunidades de desarrollo
que permite la integración de la música en contextos escolares. ¿Es importante
revalorizar esta disciplina y movilizarla del lugar actual que ocupa en el
currículum? Se espera responder a esta interrogante a continuación.
~ Desarrollo
¿Está integrada la música en los procesos de enseñanza-aprendizaje de
los niños y jóvenes? ¿Se fomenta en las escuelas el desarrollo motriz,
cognitivo, social y afectivo a través de la música? ¿Cuántas horas por semana
el niño tiene la oportunidad de escuchar y oír música acompañado de un profesor
que lo guíe? A simple vista, el panorama para la música al interior de las
escuelas, parece no ser alentador. El Plan de Estudios de NB1 considera 8 y 6
horas semanales de Lenguaje y Matemáticas respectivamente, mientras que para la
Educación Artística sólo se contemplan 3 (Mineduc, 2012). Cuantitativamente, se
presenta un déficit en las disciplinas que no son evaluadas de manera
estandarizada y un énfasis en aquellas que sí lo son. La evaluación parece ser
una buena razón para no aumentar las horas de las disciplinas artísticas en el
currículum escolar. Sin embargo, ¿existen razones para integrar con más fuerza
la música en los procesos de enseñanza-aprendizaje?
Casas (2001) establece que “los distintos aprendizajes y la forma de
acceder al conocimiento, así como los planos cognitivo, afectivo y psicomotor
pueden verse favorecidos al iniciarse de manera temprana en el aprendizaje de
la música” (p. 1), considerando este planteamiento, la enseñanza de la
educación musical debiese poseer un rol importante dentro de la formación de
los estudiantes. En este sentido, dentro del actual currículum nacional, se
establece que “la educación básica es el nivel educacional que se orienta hacia
la formación integral de los alumnos, en sus dimensiones física, afectiva,
cognitiva, social, cultural, moral y espiritual“ (Bases Curriculares, 2012).
Dentro de los programas vigentes en Educación Artística, para NB1 y NB2
se trabaja el Contenido Mínimo Obligatorio de Expresión Musical, donde se
espera que los alumnos se expresen mediante la voz, canto, cuerpo e
instrumentos (para NB1 de percusión y para NB2 se agregan los de viento), lo
que permite el desarrollo de múltiples capacidades. Una de estas, se relaciona
con el desarrollo de habilidades motrices destacándose que es posible la
inclusión de instrumentos en la enseñanza y los aportes de los métodos Orff,
Kodály y Dalcroze, para lograr el cumplimiento de este contenido mínimo.
Por otro lado, existen numerosas investigaciones que avalan
la importancia del desarrollo de habilidades relacionadas con la música,
como los realizados por Gardner. En sus estudios sobre las inteligencias
múltiples, propone que “la inteligencia musical influye más que las otras
inteligencias en el desarrollo emocional, espiritual y cultural, pues la música
estructura la forma de pensar y trabajar y ayuda a la persona en el aprendizaje
de matemáticas, lenguaje y habilidades especiales” (Pascual, 2002, p.28), por
lo tanto, ¿cuál es el real motivo de menospreciar esta disciplina, considerando
que puede contribuir al aprendizaje de otros sectores? Para muchos autores,
este hecho es inexplicable.
Por ejemplo, Garretson (1980) señala que cuando el profesor es capaz de
“comprender la utilidad de la música en la educación infantil (...) cuenta con
un fundamento para crear objetivos, necesarios en la enseñanza eficaz” (p. 1)
Considerando esta aseveración, es posible inferir que la ausencia de música en
las escuelas se deba a que no todos los profesores están conscientes de sus
beneficios y de los logros en diversas áreas que pueden lograr si acompañan los
procesos de enseñanza-aprendizaje con la música.
En apoyo de lo anterior, Dalcroze (s/f) manifiesta que “es importante
que la educación haga marchar juntos el desarrollo intelectual y el desarrollo
físico, y me parece que la rítmica debe tener, en este sentido, una buena
influencia. Mi convencimiento es que la educación por y para el ritmo es capaz
de despertar el sentido artístico de todos los que se someten a ella” (citado
en Pascual, 2002, p. 100) Tal como se explicita, la música puede despertar y
desarrollar habilidades y competencias de los niños y de los profesores porque
“la música es un ramo activo, que consiste en actividades de composición,
interpretación y audición, para todos los niños, para todos los profesores y
entretenidas” (Mills, 1997, p. 3) La propuesta de Mills (1997) es desafiante,
puesto que se relaciona con que sea el profesor básico quien realice las clases
de Música de manera de integrar todas las disciplinas con mayor sentido y
significancia para los niños. Si bien, esta postura es debatible, la autora
asevera un hecho que es menos cuestionable: la música es para todos los niños y
para todos los profesores.
Casas (2001) apoya la visión de Mills (1997) señalando que “todos los
niños, en condiciones normales, tienen la opción de iniciarse en el mundo de la
música. No es necesario ser un Mozart para disfrutar de todos los beneficios de
la música” (p. 11). Por tanto, está en manos de la escuela y de los docentes
ofrecer oportunidades de acceso a la música, a su disfrute, goce y expresión.
El mismo autor (Casas, 2001) enfatiza en la cercana relación entre la música y
competencias intelectuales, agregando que entre más temprano se establece un
contacto serio con la música, mayor oportunidad se tiene de que a través de su
práctica se fortalezcan otras dimensiones del ser humano. Una buena orientación
en el proceso de enseñanza-aprendizaje de la música contribuye a mejorar: la
escucha, la concentración, la expresión, la autoestima, el respeto, la
disciplina, la socialización, la responsabilidad, entre otros.
Por tanto, son numerosos los autores que hacen hincapié en la
importancia de la música en los contextos escolares, explicitando que favorecen
ámbitos que, a simple vista, no se ven desarrollados. Es probable que los
profesores no consideran la disciplina porque desconocen las virtudes de la
música. Se espera que este pequeño escrito sea de utilidad para expandir las
bondades de la disciplina y se visualice el impacto positivo en diferentes
ámbitos del desarrollo del niño y de la persona.
~ Conclusión
Considerando lo anterior, podemos decir que existen numerosos argumentos
que nos permiten plantear que la música contribuye al desarrollo integral de
los alumnos, en su aspecto físico, intelectual, emocional y social. El tema es
pensar en qué medidas se pueden tomar para solucionar esta situación. La
realidad escolar nacional deja bastante que desear, ya que pese a que en los
mismos programas propuestos por el Ministerio de Educación se explicita la
importancia de esta disciplina, en las escuelas se siguen utilizando las horas
de este sector en repasos, en preparar a los estudiantes para SIMCE y en
diversas actividades ajenas a la disciplina, priorizando de esta manera los
sectores que son medidos en estas pruebas estandarizadas, en desmedro de todos
los beneficios que la música aporta a los educandos.
Por las razones planteadas anteriormente, es necesario que los docentes
tomen conciencia de la importancia de la realización de clases de esta
disciplina, puesto que desarrollarán múltiples habilidades que favorecerán al cumplimiento
del objetivo principal de la educación nacional: el desarrollo integral. Es de
suma relevancia agregar que la interdisciplinariedad es un requisito para
enfrentar los desafìos que contempla la sociedad del conocimiento, por lo que,
es deber de los docentes y directivos incentivar a los estudiantes para que
gocen y disfruten de la música en múltiples oportunidades, logrando sacar
provecho de manera adecuada a los diversos beneficios que la disciplina provee.
~ Bibliografía
Casas, M. (2001) ¿Por qué los niños deben aprender música? Colombia
Médica.
Garretson, R. (1980). La música en el plan de estudios de la escuela
moderna.
Mills, J. (1997). La Música en la enseñanza Básica. Editorial:
Andrés Bello
Ministerio de Educación. (2012). Planes y programas para la Educación
Básica.
Ministerio de Educación. (2012). Bases Curriculares.
Introducción.
Pascual, P. (2002). El niño, sujeto de la educación musical. En:
Didáctica de la música. Pearson Educación: Madrid, España.
Pascual, P. (2002). El método Dalcroze. En Didáctica de la
Música. Editorial Pearson: Madrid, España.
“La sociedad moderna ha descuidado muchísimo esta
capacidad tan básica: enseñar a un niño a escuchar, a prestar atención a la
inflexión de la voz y a poner dentro de contexto los sonidos del habla” (p. 46)
Ficha
Nº 11: El sonido y la Escucha.
~ Autor:
Don Campbell.
~ Editorial:
Urano. España.
~ Capítulo:
El sonido y la escucha.
~ Resumen
Don
Campbell dentro del capítulo “El sonido y la escucha”, trabaja una serie de
temáticas, enfocadas hacia la importancia de un adecuado desarrollo de la
escucha y los factores que pueden afectarlo.
En
1988 funda el Instituto de Música, Salud y Educación, para investigar sobre los
beneficios de la música, siendo curativa en muchos casos. Él plantea que “el
sonido es energía” (p. 34) de manera que puede generar múltiples formas y
figuras. También describe algunas de las características del sonido, tales
como: frecuencia, intensidad
y timbre.
Destaca
que el sonido posee propiedades maravillosas, destacando que “modifican
sutilmente la respiración, pulso, presión arterial, tensión muscular,
temperatura de la piel y otros ritmos internos” (p.37), generando según el
sonido escuchado cambios positivos o negativos. Además, describe la situación
auditiva de personas por los ruidos ambientales, los que han hecho que desde
corta edad, se vaya perdiendo la audición, proponiendo que también esta situación
se ve afectada por la alimentación y factores ambientales-culturales,
destacando que “El clima y la altitud modificaban su percepción auditiva” (p.
42).
Otra
de sus ideas principales es que para escuchar no es necesario oír, dando como
ejemplo los casos de Beethoven,
Brian Wilson y Bedrich Smetana,
que son personas que han poseído sordera o problemas auditivos y son grandes
músicos. Esto se debe a que mediante diversas partes del cuerpo es posible
percibir las vibraciones, ya que “es posible recibir sonidos y actuar
expresivamente sin usar las vías auditivas tradicionales” (p.43).
Plantea
que al perder la audición, también se puede ver afectada la voz, nombrando un
estudio realizado por Tomatis sobre el tenor italiano Enrico Caruso.
Realiza
una crítica a la sociedad moderna, donde hay una sobre valoración de
habilidades sobre otras, planteando que “si no sabemos escuchar (en cuanto
opuesto a oír) es posible que no logremos progresar en la adquisición de
habilidades de aprendizaje más complejas” (p.46). Donde nuestros estados de
ánimo (mental) y de salud afectan a la capacidad de escucha y viceversa.
Los
oídos actúan de modo diferente, describiendo que “Los impulsos nerviosos del
oído derecho viajan directamente al hemisferio izquierdo del cerebro, donde
están situados los centros del habla, mientras que los impulsos nerviosos del
oído izquierdo hacen un viaje más largo; pasan por el hemisferio derecho, que
no tiene centros de habla correspondientes, y de allí pasan al hemisferio
izquierdo” (p.51), de manera que los sonidos escuchados por el lado izquierdo
son más fáciles de perder la atención y vocalización.
También,
el adecuado desarrollo del oído, favorece al desarrollo del movimiento, la
verticalidad y la lateralidad, aspectos asociados al desarrollo físico y de la
motricidad; de manera que las cualidades de los sonidos y el desarrollo del
oído pueden contribuir al establecimiento de una vida más plena de los
individuos.
~ Breve
comentario personal
}
Andrea
Fuenzalida: Una vez más, tenemos la posibilidad de leer a un experto que
defiende la música y los beneficios que trae consigo. A estas alturas, no es
curioso enfrentarse a autores que manifiestan con más ahínco la importancia de
la música durante la vida del ser humano y de forma especial, en temprana
infancia. Campbell aporta con un tecnicismo más elevado y mucho más cercano a
la ciencia, demostrando cómo funciona el organismo en el momento que se
enfrenta con los sonidos y la música. La información que nos revela el autor
referente a la escucha posibilita el incorporar este conocimiento al aula.
Cecilia Beuchat en su libro “Escuchar: el punto de partida” comparte algunas
actividades prácticas que se pueden realizar con los niños y que sirven para
desarrollar la habilidad que Campbell explicita: la escucha. Ambos autores nos
recuerdan lo importante que es, a veces, callar menos y escuchar más.
Beatriz
León: Campbell en este capítulo nos da muchas herramientas para comprender la
importancia del cuidado de la audición, teniendo una adecuada escucha, lo que
favorece en múltiples ámbitos en la vida. Además es muy interesante los datos
que nos aporta respecto a la sociedad de Estados Unidos, y como la cultura a la
que pertenezco influye en mi calidad auditiva, lo que me hace pensar en la gran
cantidad de chilenos que escuchan música con audífonos a altos volúmenes, lo
que afectará en un futuro no muy lejano en lo que puedo escuchar. Creo que es
fundamental, poder explicarles esto a nuestros futuros estudiantes de manera
que comprendan la importancia del oído y lo cuiden de una manera adecuada.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
El sonido y la audición.
.jpg)
“La música no la oye solo el oído, sino que todo el
cuerpo” (Dalcroze, Pascual, p. 102).
Ficha
Nº 10: El método Dalcroze
~ Autor:
Pilar Pascual
~ Año:
2002.
~ Editorial:
Pearson, Madrid, España
~ Capítulo:
El método Dalcroze
~ Resumen
Jacques
Dalcroze intenta poner al individuo en posesión de todos los medios para
actuar y reaccionar, ser autónomo y sentir bienestar. La obra pedagógica del
músico continúa vigente hasta la actualidad y está constituida por volúmenes de
libros que contienen cursos para niños y marchas rítmicas. El principal
referente del método Dalcroze en España es el Instituto de Rítmica y Plástica
(hoy Instituto Llongueras de Barcelona).
Los
elementos principales del método creado por Dalcroze son el ritmo, el
movimiento y la danza. Su método recibe el nombre de Rítmica o Gimnasia Rítmica
y vincula la mente con el cuerpo, considerando a este último como el
intermediario entre sonido, pensamiento y sentimiento. Busca favorecer el
desarrollo de la motricidad, la capacidad de pensar y el poder de expresión. La
educación por el movimiento es un
importante factor del desarrollo y equilibrio del sistema nervioso. Permite al
niño conocerse a sí mismo, desarrolla el autodominio y la eficacia de la
acción; es un medio de expresión emocional.
La
rítmica trabaja simultáneamente la atención (ha de mostrar lo que siente y
registrarlo inmediatamente), la inteligencia (comprender y analizar lo que ha
sentido) y la sensibilidad (para sentir la música y penetrar en el movimiento
musical). Su finalidad es desarrollar el oído musical, los sentidos melódicos,
tonales, armónicos y musculares. El cuerpo puede ser el medio de representación
de cualquier elemento musical del ritmo, la melodía, la dinámica, la armonía y
la forma; el ritmo es considerado como base del solfeo y apela constantemente
al esfuerzo personal.
Algunos
ejercicios que propone el músico son: discriminar las frases musicales con
cadencia conclusiva, diferenciar tonos, semitonos, intervalos ascendentes y
descendentes, analizar la textura de una interpretación, descubrir el número de
voces y apreciar el cambio de tonalidad. El instrumento principal que propone
Dalcroze es el piano; gracias a este instrumento se posibilita la improvisación de ejercicios. La
improvisación al piano es el eje de todas las enseñanzas recibidas a lo largo
de tres años: rítmica, solfeo, armonía, expresión corporal, bailes
tradicionales, formas, estilos, instrumentos de percusión y canto coral. El
piano es utilizado porque es un instrumento melódico, que promueve las
propiedades elásticas del cuerpo en movimiento. Además, es polifónico,
permitiendo una tonalidad compleja. Además, se suele utilizar instrumentos como
flauta dulce, triángulo, pandero, xilófono, etc. Los materiales de
psicomotricidad son esenciales, como por ejemplo, los espejos, colchonetas,
pelotas, aros, palos, picas, cartones, etc. Finalmente, las grabaciones
musicales han sido compuestas de manera que posibilitan la danza.
Como
se mencionó anteriormente, esta propuesta continúa vigente y para algunos,
constituye una innovación educativa. Permite trabajar diversos aspectos y
desarrolla aptitudes, por lo que es flexible a los distintos campos educativos.
Dalcroze aplicó sus enseñanzas a ciegos, sordos y disminuidos en términos
sensoriales, mentales y motores. La implementación de este método requiere
preparación del profesorado y condiciones específicas, es por esta razón, que
dificulta una aplicación fiel en las aulas de música.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: En esta oportunidad, hemos tenido la posibilidad de revisar otra
propuesta que incrementa las posibilidades de diseñar mejores prácticas
educativas en el sector de la educación musical. Dalcroze aporta la importancia
de relacionar la música con el cuerpo y el movimiento y de agregar a estos
aspectos la armonía del piano, el instrumento primordial de este método. Las
posibilidades de incluir esta propuesta en las aulas chilenas, bajo mi
perspectiva, es complejo, debido a que no todos los profesores tienen
conocimiento del método ni experticia con el piano, por lo que dificulta su
implementación. Sin embargo, de todas maneras se pueden recoger los aspectos
que sí son posibles de llevar al aula y modificarlos acorde con el
contexto.
Beatriz
León: Luego de la lectura del capítulo, comprendí que este método es posible de
aplicar dentro del contexto nacional, mediante una capacitación adecuada por
parte de los docentes, para que no se generen errores en los aprendizajes de
los alumnos. Considero que este método permite el desarrollo de múltiples
habilidades musicales y por sobre todo promueve el desarrollo de actitudes,
mediante la confianza, el desarrollo de la personalidad, la apreciación
artística, el respeto, etc. La utilización de todo el cuerpo como medio de
expresión favorece al desarrollo de motricidad, el sentido del ritmo, mejorías
en la autoestima, etc. Por lo que dentro del contexto nacional, pienso que
sería vital para el desarrollo tanto individual como grupal (mediante el
trabajo del respeto ante las expresiones
artísticas de los demás compañeros) el trabajo de esta propuesta.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
~
El método Dalcroze; una aplicación
práctica. Para ver el video, haz click aquí.
~ Una pieza de Dalcroze interpretada
por Phillip Sear. Para escucharla, haz click aquí.
~ Autor:
Pilar Pascual.
~ Año:
2002.
~ Editorial:
Pearson.
~ Capítulo:
El método Kodaly
~ Resumen
Zoltán
Kodály
introdujo al sistema educativo de Hungría, en el cual se integra la música popular
a la escuela y la importancia del folclore. Cabe destacar que este método posee
gran trascendencia internacional y que es para todas las personas no importando
su edad. Se centra en el principio de la actividad, ya que la participación es
fundamental para conocer, aprender, disfrutar y apreciar la música.
Junto
con su contemporáneo Bela Bartok,
renovaron la lingüística del canto popular y realizaron un estudio sobre el
patrimonio folclórico de su país. Además crearon la etnomusicología, enfocado
hacia la recolección, clasificación y estudio de las canciones populares de
Hungría, para su fomento dentro del ámbito de la música culta y la creación de
esta. Su esfuerzo posee frutos, ya actualmente la sociedad de Hungría posee una
gran cultura musical. Es por esto, que el país en un importante centro de
estudio de profesores de otros países del mundo.
El
elemento fundamental de este método es el canto (coral y a capella), mediante
el desarrollo del oído a través de éste. Partiendo de la premisa de que el primer
instrumento es la voz, derivándose de ésta toda la enseñanza de la música. Para
el método “La meta es hacer cantar al niño perfectamente de oído y a la vista
de una partitura” (p. 124), siendo su material de estudio la música y el
folclore, trabajando con este el ritmo y la melodía mediante el sistema
pentafónico.
El
autor planteaba que la educación musical, se desarrolla mediante la
participación en actividades musicales, a través de un ejercicio activo, para
el desarrollo de los estudiantes. En la enseñanza obligatoria a los párvulos se
les realizan juegos musicales, para en primaria hacer clases de canto, de
diverso tiempo y cantidad según su edad. En la enseñanza no obligatoria, los
niños pueden aprender a tocar instrumentos, asistir a conservatorios
especializados y posteriormente asistir a la universidad. En este método, se
exige una adecuada formación del profesorado.
La
enseñanza para Kodály debe apoyarse en la lectura de la música. Rechaza el uso
de los pianos, incluso para acompañar, pero si acepta el uso del xilófono como
acompañamiento de las marchas rítmicas, además de su “brillante sonoridad,…
precio más barato y la posibilidad de levantar las placas” (p127).
La
canción popular se utiliza para comenzar la enseñanza de la música, enseñándoles el solfeo reconociéndolo en
éstas. En las escuelas infantiles los niños aprenden de oído y los elementos
musicales batiendo palmas, por ejemplo; donde se aprende además a leer y
escritura de nombres alfabéticos, el canto a varias voces, etc.
El
solfeo silábico posee como antecedente lo propuesto por Chevé mediante la
varilla móvil, Kodály llamó a esto Do movile, donde el maestro asigna diversas
posiciones para el Do en el pentagrama
El solfeo absoluto es el que “sitúa
todas las notas siempre en el mismo lugar independientemente de los cambios de
tonalidad” (p. 133) y el solfeo relativo es aquel en el que “cambia las notas
de lugar dependiendo de la tonalidad” (p.133).
Además en este método se utiliza la fononimia,
la pentafonía (uso del pentáfono) y el lenguaje musical, donde se enseña la
forma, la armonía, el transporte y la lectoescritura.
Para Kodály el mejor material musical proviene del folclore, pero además se
utilizan pizarras y pentagramas magnéticos e instrumentos musicales y
melódicos.
Actualmente este método es muy vigente
en países, sin embargo hay países donde no es posible aplicarlo, debido a que
el folclore no permite aplicarlo o realizarle adecuaciones que permitan un buen
funcionamiento.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: La propuesta de Kodály está actualmente vigente y es posible
visualizarlo en diversas escuelas. Personalmente, en la universidad tuve la
oportunidad de aprender a leer partituras y a solfear con un profesor que
utilizó en cierta medida este método, y me resultó fácil y divertido. Creo que
si en un momento debo hacerme cargo del sector de educación musical, sin duda
incluiré ciertos aspectos de la propuesta de Kodály en mis prácticas
educativas. Espero poder adecuarlo de manera que sea competente con nuestro
folclore, puesto que los niños deben apropiarse de este y hacerlo parte de sus
vidas.
Beatriz
León: Considero que la propuesta de Kodály de utilizar el folclore como la base
de la enseñanza musical es muy importante ya que a partir de la propia cultura
del país se generan aprendizajes relacionados con la música. Considero que la utilización
de la voz como principal herramientas favorece a poder aplicar esta metodología
en todos los sectores económicos, de manera de no realizar en este sector de
aprendizaje segregación, entregando una adecuada enseñanza para todos.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
“La
educación musical debe partir del hogar. El niño que ha vivido con la propia
experiencia de sí mismo en la canción y el ritmo podrá luego aprender música” (Orff,
citado en Pascuañ, p. 204).
Ficha
Nº 8: El método Orff
~ Autor: Pilar Pascual
~ Año: 2002.
~ Editorial: Pearson,
Madrid, España.
~ Capítulo: El
método Orff.
~ Resumen
Carl Orff creó
un sistema educativo musical al que dotó de propuestas pedagógicas para
estimular la natural evolución musical de los niños y desarrollar su sentido
rítimco, la improvisación de sonidos y movimientos como forma de expresión
corporal. Su actividad pedagógica se condensó en cinco volúmenes:
~
Volumen I: Pentatónico
(para niños de 4 a 8 años)
~
Volumen II: Escala
heptatónica (para niños de 8 a 10 años)
~
Volumen III: Escalas
mayores (para niños de 10 a 12 años)
~
Volumen IV: Cuaderno menor
(para niños de 12 a 14 años)
~
Volumen V: Canciones y
obras instrumentales.
La base
de la obra pedagógica de Orff se expresa en los términos “palabra, música y
movimiento”. Estos se practica a través de los siguientes elementos musicales:
ritmo, melodía, armonía, timbre, improvisación y creación. La propuesta
educativa se caracteriza por el descubrimiento de las posibilidades sonoras del
propio cuerpo, de la utilización de canciones pentatónicas (formadas por cinco
sonidos), calidad y color de los instrumentos, la consideración de la voz como
el instrumento más importante, la participación del alumno en una orquesta
escolar, el protagonismo del niño, la prioridad del ritmo, la variedad de
elementos y la importancia de la lengua materna.
La
práctica educativa de Orff considera el cuerpo como un instrumento musical,
dotado de características tímbricas diversas. De esta manera, se permite una
educación del ritmo a través de movimientos del cuerpo que producen sonidos y
no requieren una coordinación muy precisa. Por otro lado, se emplea el lenguaje
y las palabras como medio de acceder al ritmo; utiliza palabras para explicar
la acentuación y el compás.
En la
obra de Orff, se trabajan las formas musicales: estas corresponden al eco
(repetición del fragmento inmediatamente anterior), el ostinato (fragmento que
se reptinen obstinadamente y sirven como acompañamiento) y finalmente, el canon
(composición polifónica por imitación).
Por otro
lado, la improvisación musical es una de las prácticas más empleadas en esta
propuesta metodológica. Primero, se inicia con la improvisación rítmica
utilizando el propio cuerpo (palmas, pisadas, palmas en rodillas, etc.).
Posteriormente, se da paso a la improvisación melódica, utilizando los sonidos de
la escala pentatónica de do, las creaciones en esta escala siempre suenan bien.
Finalmente, se culmina con la improvisación armónica, en la que se utilizan los
instrumentos de percusión afinada (xilófonos, metalófonos y carillones).
Los materiales propios y originales del método
son instrumentos creados específicamente para la enseñanza de la música. Están
creados por Orff y Keetman y son conocidos como “instrumentos
Orff”. Se distinguen los siguientes tipos de instrumentos:
- Pequeña percusión (no afinada)
a)
Metal: platillos,
triángulo, maracas.
b)
Madera: caja china,
castañuelas, claves, temple
block.
c)
Membrana: tambor,
timbales, pandero.
- Instrumentos de viento: flauta de pico o dulce.
- Instrumentos de cuerda: guitarra, violonchelo, viola
de gamba.
El método
Orff tiene vigencia porque aporta a la pedagogía musical uno de sus mejores
recursos: instrumentos fáciles de tocar y que producen una calidad tonal
equilibrada. Esto en pro de la participación activa del estudiante. Por otro
lado, las rimas, canciones y refranes forman parte del bagaje cultural de las
personas y se deben continuar, tal como lo propone el método. Este método es de
gran aplicabilidad escolar y es enriquecedor que el docente considere estas
guías para diseñar sus prácticas educativas.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: Cuando muchos profesores están desconcertados y abrumados con tanta
información didáctica y metodológica, es muy útil y funcional incorporar en las
prácticas educativas, el método propuesto por Orff, dado que posee una
trayectoria importante y ha demostrado la aplicabilidad que tiene para con los
estudiantes y la escuela. Es por este motivo, que conocer este método y algunas
nociones básicas de este, es de especial ayuda para que los estudiantes gocen
con la música y puedan expresarse con su propio cuerpo. Los elementos que el
músico incorpora están relacionados de manera tal, que se muestran al servicio
del resto. Es deber de los docentes, hacer un uso adecuado y consciente de este
método que llega a las manos de todos con las mejores intenciones.
Beatriz León: Este método es un real aporte para el aprendizaje de la música, ya que su propuesta es coherente, comenzado desde una concepción activa de los aprendizajes en música, donde es vital la participación para desarrollar habilidades mayores, logrando finalmente interpretar y crear música. Todo esto se logrará mediante la utilización de instrumentos que son de una cómoda manipulación pudiendo explorarlos ampliamente. Además creo que es vital el rol que posee en el método Orff el cuerpo, como un instrumento, ya que a partir de este se pueden generar sonidos, y aprender diversos conceptos, de manera que para comenzar la enseñanza los docentes no tendemos excusas para hacer educación musical.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
~ ¿Cómo se lleva a cabo el
método en el aula? Haz click aquí
para descubrirlo.
~ ¿Cómo se usa en Chile el
método Orff? Haz click aquí y
revisa la opinión de un profesor de música de nuestro país.
~ ¿Qué te parece este
desafío? ¡Especial para jóvenes!
Ficha
Nº 7: Los Instrumentos
~ Autor:
Pilar Pascual.
~ Año:
2002.
~ Editorial:
Pearson.
~ Capítulo:
Los instrumentos.
~ Resumen
Un instrumento musical es cualquier
objeto capaz de producir sonido debiendo poseer una intencionalidad musical.
Históricamente, las personas siempre
han querido expresarse mediante sonidos. El instrumento más antiguo es un
silbato de una nota fabricado hace 1000 años a.c. En la prehistoria se
utilizaban los tabores en los conflictos bélicos, címbalos y crótalos para
bailar. Hasta el siglo XVII la música era indistintamente vocal o instrumental.
Durante este siglo, los instrumentos favoritos fueron los de cuerda. En los
tiempos de Mozart
y Haydn se incorporan instrumentos
de viento a las orquestas. Finalmente durante el siglo XX se incorporaron a la
orquesta los instrumentos de percusión.
11,1
Los instrumentos musicales:
Clasificación
de los instrumentos de la orquesta: La organología estudia la
clasificación de los instrumentos considerando su función en el contexto y las
necesidades de quien clasifica. En la música occidental esta clasificación es
en tres categorías generales, según su estructura, material y método de
producción sonora; pudiendo ser: Cordófonos
(vibración de cuerda por percusión, pulso y frotación con arco), Aerófonos
(vibración de aire en una columna) y de Percusión (
vibración de un cuerpo al golpear otro, pudiendo ser membranófonos,
idiófonos y electrófonos)
Las
agrupaciones instrumentales: Las orquestas se organizan en semicírculos,
ya que proviene de la palabra griega orchestra
que posee ese significado. Las agrupaciones pueden ser según los
instrumentos y el tipo de música, destacándose: Orquesta de cámara, orquesta
sinfónica, cuarteto de cuerda, quinteto, banda, banda de jazz y banda de rock
y/o pop.
Los instrumentos populares: La música
popular posee sus propios instrumentos, existiendo varios que son comunes a
diversas culturas, algunos de estos son imitaciones de la cultura culta.
Mundialmente existen una serie de instrumentos considerados nacionales, tales
como: Gran Bretaña, la lombarda, en Hungría el címbalo, en áfrica la lira, en
indonesia el gong, etc.
11.2
La práctica instrumental:
Es “la adquisición y desarrollo de
habilidades instrumentales individuales y en grupo” (p.265).
Influencia
positiva de la práctica instrumental: dentro de los
argumentos, se puede destacar: desarrollo de capacidades musicales,
psicomotoras y corporales, percepción auditiva, diagnóstico de problemas
respiratorios, motores y auditivos, desarrolla la sensibilidad y equilibrio
psicológico, contribuye a la integración grupal, poseyendo una función terapéutica.
Los
instrumentos como medio de expresión y comunicación: En la Educación
artística de Primaria se busca el desarrollo de la sensibilidad auditiva,
mental y sensorial, el oído armónico, apreciación de timbres de instrumentos,
formación de la responsabilidad cualidades del sonido.
11.3.Los
instrumento de la Educación Primaria: Se plantea la
utilización de instrumentos del método Orff dado el amplio espectro sonoro que
proporcionan, lo que contribuye a la improvisación y creación, así como al
desarrollo de habilidades y capacidades musicales. La profesora Judith Akoschky
propone la utilización de cotiadófonos, es decir, “instrumentos sonoros
construidos de forma sencilla con objetos materiales de uso cotidiano y/o de
desecho” (p. 267).
El primer instrumento de los alumnos
es el cuerpo y la voz, de manera que se debe partir de estos la enseñanza,
mediante aplausos, chasquidos, pisadas, etc.
Luego se introducen instrumentos de
percusión tales como las claves, triangulo, bombo, gong, cascabeles, maracas,
etc. Posteriormente se introducen instrumentos de láminas con una caja de
resonancia como el xilófono y el metalófono.
También se plantea la construcción de
un instrumento, ya que de esta manera el niño comprende mejor su
funcionamiento.
11.4
Criterios de selección de instrumentos:
Pedagógicos: debe contemplar la
progresión de manera cíclica del aprendizaje.
Específicamente musicales: El nivel de
técnica musical no debe influir en la técnica instrumental.
Psicológicos: Se introducen diversos
instrumentos según la edad:
-
primer ciclo (6 a 8 años): manipulación y
audición del entorno, utilización de láminas sueltas.
-
Segundo ciclo (8 a10): Aumento en la
coordinación óculo-manual, de manera que se puede introducir la flauta dulce
soprano.
-
Tercer ciclo (10 a 12 años): Formación de
agrupaciones musicales diversas.
El tipo de pieza: se debe considerar
la facilidad rítmica, las armonías, estructura rítmica, la melodía, el número
de instrumentos y los cánones y ostinatos a realizar.
11.5
Metodología y recursos didácticos en el proceso de aprendizaje de una pieza:
El docente debe conocer la técnica del
instrumento, para producir una sonoridad adecuada y motivante. La metodología
pedagógico musical es la de Orff.
Se debe considerar, que al presentar
una pieza, están los siguientes elementos: melodía, ritmo, armonía, timbre,
forma, tempo, intensidad y fraseo.
Los procedimientos de interpretación
son los siguientes: Imitación, lectura musical, canción y la improvisación.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: Lo expuesto por Pascual (2002) es útil para el diseño y realización
de las prácticas educativas en el sector de Educación Musical. Ya hemos visto
en textos anteriores, los beneficios en términos motores, cognitivos y
afectivos que colaboran con el desarrollo del estudiante la utilización de
instrumentos musicales. Lo que, a nivel personal, más rescato del texto son los
criterios de selección de instrumentos propuestos por la autora, puesto que
evita el asignar instrumentos muy complejos de manipular en edades que no lo
permiten por no haber desarrollado la motricidad debidamente. Asimismo, se
introduce el tema de los instrumentos cotidianos, que favorece la comprensión
del funcionamiento y construcción de instrumentos musicales.
Beatriz
León: Pilar Pascual (2002) nos plantea las grandes potencialidades del uso de
instrumentos dentro del contexto escolar, considerando los diversos ámbitos en los
cuales puede contribuir. Sin embargo, en muchos establecimientos nacionales no
se cuentan con los recursos necesarios o simplemente no son utilizados, de
manera que no se desarrollan las habilidades que se podrían y que claramente
contribuirían al desarrollo de los estudiantes, ya que al ser una actividad que
implica la coordinación y manipulación requiere de constancia y motivación para
lograr tocar una pieza, de manera que contribuye al desarrollo de hábitos y
actitudes hacia el estudio, que en otras disciplinas es más complejo
desarrollar.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
Aprende los sonidos de los instrumentos musicales: material en el que se trabaja la discriminación auditiva.
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