“La
educación musical debe partir del hogar. El niño que ha vivido con la propia
experiencia de sí mismo en la canción y el ritmo podrá luego aprender música” (Orff,
citado en Pascuañ, p. 204).
Ficha
Nº 8: El método Orff
~ Autor: Pilar Pascual
~ Año: 2002.
~ Editorial: Pearson,
Madrid, España.
~ Capítulo: El
método Orff.
~ Resumen
Carl Orff creó
un sistema educativo musical al que dotó de propuestas pedagógicas para
estimular la natural evolución musical de los niños y desarrollar su sentido
rítimco, la improvisación de sonidos y movimientos como forma de expresión
corporal. Su actividad pedagógica se condensó en cinco volúmenes:
~
Volumen I: Pentatónico
(para niños de 4 a 8 años)
~
Volumen II: Escala
heptatónica (para niños de 8 a 10 años)
~
Volumen III: Escalas
mayores (para niños de 10 a 12 años)
~
Volumen IV: Cuaderno menor
(para niños de 12 a 14 años)
~
Volumen V: Canciones y
obras instrumentales.
La base
de la obra pedagógica de Orff se expresa en los términos “palabra, música y
movimiento”. Estos se practica a través de los siguientes elementos musicales:
ritmo, melodía, armonía, timbre, improvisación y creación. La propuesta
educativa se caracteriza por el descubrimiento de las posibilidades sonoras del
propio cuerpo, de la utilización de canciones pentatónicas (formadas por cinco
sonidos), calidad y color de los instrumentos, la consideración de la voz como
el instrumento más importante, la participación del alumno en una orquesta
escolar, el protagonismo del niño, la prioridad del ritmo, la variedad de
elementos y la importancia de la lengua materna.
La
práctica educativa de Orff considera el cuerpo como un instrumento musical,
dotado de características tímbricas diversas. De esta manera, se permite una
educación del ritmo a través de movimientos del cuerpo que producen sonidos y
no requieren una coordinación muy precisa. Por otro lado, se emplea el lenguaje
y las palabras como medio de acceder al ritmo; utiliza palabras para explicar
la acentuación y el compás.
En la
obra de Orff, se trabajan las formas musicales: estas corresponden al eco
(repetición del fragmento inmediatamente anterior), el ostinato (fragmento que
se reptinen obstinadamente y sirven como acompañamiento) y finalmente, el canon
(composición polifónica por imitación).
Por otro
lado, la improvisación musical es una de las prácticas más empleadas en esta
propuesta metodológica. Primero, se inicia con la improvisación rítmica
utilizando el propio cuerpo (palmas, pisadas, palmas en rodillas, etc.).
Posteriormente, se da paso a la improvisación melódica, utilizando los sonidos de
la escala pentatónica de do, las creaciones en esta escala siempre suenan bien.
Finalmente, se culmina con la improvisación armónica, en la que se utilizan los
instrumentos de percusión afinada (xilófonos, metalófonos y carillones).
Los materiales propios y originales del método
son instrumentos creados específicamente para la enseñanza de la música. Están
creados por Orff y Keetman y son conocidos como “instrumentos
Orff”. Se distinguen los siguientes tipos de instrumentos:
- Pequeña percusión (no afinada)
a)
Metal: platillos,
triángulo, maracas.
b)
Madera: caja china,
castañuelas, claves, temple
block.
c)
Membrana: tambor,
timbales, pandero.
- Instrumentos de viento: flauta de pico o dulce.
- Instrumentos de cuerda: guitarra, violonchelo, viola
de gamba.
El método
Orff tiene vigencia porque aporta a la pedagogía musical uno de sus mejores
recursos: instrumentos fáciles de tocar y que producen una calidad tonal
equilibrada. Esto en pro de la participación activa del estudiante. Por otro
lado, las rimas, canciones y refranes forman parte del bagaje cultural de las
personas y se deben continuar, tal como lo propone el método. Este método es de
gran aplicabilidad escolar y es enriquecedor que el docente considere estas
guías para diseñar sus prácticas educativas.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: Cuando muchos profesores están desconcertados y abrumados con tanta
información didáctica y metodológica, es muy útil y funcional incorporar en las
prácticas educativas, el método propuesto por Orff, dado que posee una
trayectoria importante y ha demostrado la aplicabilidad que tiene para con los
estudiantes y la escuela. Es por este motivo, que conocer este método y algunas
nociones básicas de este, es de especial ayuda para que los estudiantes gocen
con la música y puedan expresarse con su propio cuerpo. Los elementos que el
músico incorpora están relacionados de manera tal, que se muestran al servicio
del resto. Es deber de los docentes, hacer un uso adecuado y consciente de este
método que llega a las manos de todos con las mejores intenciones.
Beatriz León: Este método es un real aporte para el aprendizaje de la música, ya que su propuesta es coherente, comenzado desde una concepción activa de los aprendizajes en música, donde es vital la participación para desarrollar habilidades mayores, logrando finalmente interpretar y crear música. Todo esto se logrará mediante la utilización de instrumentos que son de una cómoda manipulación pudiendo explorarlos ampliamente. Además creo que es vital el rol que posee en el método Orff el cuerpo, como un instrumento, ya que a partir de este se pueden generar sonidos, y aprender diversos conceptos, de manera que para comenzar la enseñanza los docentes no tendemos excusas para hacer educación musical.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
~ ¿Cómo se lleva a cabo el
método en el aula? Haz click aquí
para descubrirlo.
~ ¿Cómo se usa en Chile el
método Orff? Haz click aquí y
revisa la opinión de un profesor de música de nuestro país.
~ ¿Qué te parece este
desafío? ¡Especial para jóvenes!
Ficha
Nº 7: Los Instrumentos
~ Autor:
Pilar Pascual.
~ Año:
2002.
~ Editorial:
Pearson.
~ Capítulo:
Los instrumentos.
~ Resumen
Un instrumento musical es cualquier
objeto capaz de producir sonido debiendo poseer una intencionalidad musical.
Históricamente, las personas siempre
han querido expresarse mediante sonidos. El instrumento más antiguo es un
silbato de una nota fabricado hace 1000 años a.c. En la prehistoria se
utilizaban los tabores en los conflictos bélicos, címbalos y crótalos para
bailar. Hasta el siglo XVII la música era indistintamente vocal o instrumental.
Durante este siglo, los instrumentos favoritos fueron los de cuerda. En los
tiempos de Mozart
y Haydn se incorporan instrumentos
de viento a las orquestas. Finalmente durante el siglo XX se incorporaron a la
orquesta los instrumentos de percusión.
11,1
Los instrumentos musicales:
Clasificación
de los instrumentos de la orquesta: La organología estudia la
clasificación de los instrumentos considerando su función en el contexto y las
necesidades de quien clasifica. En la música occidental esta clasificación es
en tres categorías generales, según su estructura, material y método de
producción sonora; pudiendo ser: Cordófonos
(vibración de cuerda por percusión, pulso y frotación con arco), Aerófonos
(vibración de aire en una columna) y de Percusión (
vibración de un cuerpo al golpear otro, pudiendo ser membranófonos,
idiófonos y electrófonos)
Las
agrupaciones instrumentales: Las orquestas se organizan en semicírculos,
ya que proviene de la palabra griega orchestra
que posee ese significado. Las agrupaciones pueden ser según los
instrumentos y el tipo de música, destacándose: Orquesta de cámara, orquesta
sinfónica, cuarteto de cuerda, quinteto, banda, banda de jazz y banda de rock
y/o pop.
Los instrumentos populares: La música
popular posee sus propios instrumentos, existiendo varios que son comunes a
diversas culturas, algunos de estos son imitaciones de la cultura culta.
Mundialmente existen una serie de instrumentos considerados nacionales, tales
como: Gran Bretaña, la lombarda, en Hungría el címbalo, en áfrica la lira, en
indonesia el gong, etc.
11.2
La práctica instrumental:
Es “la adquisición y desarrollo de
habilidades instrumentales individuales y en grupo” (p.265).
Influencia
positiva de la práctica instrumental: dentro de los
argumentos, se puede destacar: desarrollo de capacidades musicales,
psicomotoras y corporales, percepción auditiva, diagnóstico de problemas
respiratorios, motores y auditivos, desarrolla la sensibilidad y equilibrio
psicológico, contribuye a la integración grupal, poseyendo una función terapéutica.
Los
instrumentos como medio de expresión y comunicación: En la Educación
artística de Primaria se busca el desarrollo de la sensibilidad auditiva,
mental y sensorial, el oído armónico, apreciación de timbres de instrumentos,
formación de la responsabilidad cualidades del sonido.
11.3.Los
instrumento de la Educación Primaria: Se plantea la
utilización de instrumentos del método Orff dado el amplio espectro sonoro que
proporcionan, lo que contribuye a la improvisación y creación, así como al
desarrollo de habilidades y capacidades musicales. La profesora Judith Akoschky
propone la utilización de cotiadófonos, es decir, “instrumentos sonoros
construidos de forma sencilla con objetos materiales de uso cotidiano y/o de
desecho” (p. 267).
El primer instrumento de los alumnos
es el cuerpo y la voz, de manera que se debe partir de estos la enseñanza,
mediante aplausos, chasquidos, pisadas, etc.
Luego se introducen instrumentos de
percusión tales como las claves, triangulo, bombo, gong, cascabeles, maracas,
etc. Posteriormente se introducen instrumentos de láminas con una caja de
resonancia como el xilófono y el metalófono.
También se plantea la construcción de
un instrumento, ya que de esta manera el niño comprende mejor su
funcionamiento.
11.4
Criterios de selección de instrumentos:
Pedagógicos: debe contemplar la
progresión de manera cíclica del aprendizaje.
Específicamente musicales: El nivel de
técnica musical no debe influir en la técnica instrumental.
Psicológicos: Se introducen diversos
instrumentos según la edad:
-
primer ciclo (6 a 8 años): manipulación y
audición del entorno, utilización de láminas sueltas.
-
Segundo ciclo (8 a10): Aumento en la
coordinación óculo-manual, de manera que se puede introducir la flauta dulce
soprano.
-
Tercer ciclo (10 a 12 años): Formación de
agrupaciones musicales diversas.
El tipo de pieza: se debe considerar
la facilidad rítmica, las armonías, estructura rítmica, la melodía, el número
de instrumentos y los cánones y ostinatos a realizar.
11.5
Metodología y recursos didácticos en el proceso de aprendizaje de una pieza:
El docente debe conocer la técnica del
instrumento, para producir una sonoridad adecuada y motivante. La metodología
pedagógico musical es la de Orff.
Se debe considerar, que al presentar
una pieza, están los siguientes elementos: melodía, ritmo, armonía, timbre,
forma, tempo, intensidad y fraseo.
Los procedimientos de interpretación
son los siguientes: Imitación, lectura musical, canción y la improvisación.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: Lo expuesto por Pascual (2002) es útil para el diseño y realización
de las prácticas educativas en el sector de Educación Musical. Ya hemos visto
en textos anteriores, los beneficios en términos motores, cognitivos y
afectivos que colaboran con el desarrollo del estudiante la utilización de
instrumentos musicales. Lo que, a nivel personal, más rescato del texto son los
criterios de selección de instrumentos propuestos por la autora, puesto que
evita el asignar instrumentos muy complejos de manipular en edades que no lo
permiten por no haber desarrollado la motricidad debidamente. Asimismo, se
introduce el tema de los instrumentos cotidianos, que favorece la comprensión
del funcionamiento y construcción de instrumentos musicales.
Beatriz
León: Pilar Pascual (2002) nos plantea las grandes potencialidades del uso de
instrumentos dentro del contexto escolar, considerando los diversos ámbitos en los
cuales puede contribuir. Sin embargo, en muchos establecimientos nacionales no
se cuentan con los recursos necesarios o simplemente no son utilizados, de
manera que no se desarrollan las habilidades que se podrían y que claramente
contribuirían al desarrollo de los estudiantes, ya que al ser una actividad que
implica la coordinación y manipulación requiere de constancia y motivación para
lograr tocar una pieza, de manera que contribuye al desarrollo de hábitos y
actitudes hacia el estudio, que en otras disciplinas es más complejo
desarrollar.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
Aprende los sonidos de los instrumentos musicales: material en el que se trabaja la discriminación auditiva.
“El
profesor de música de la segunda mitad del siglo XX no enseña pedagogía y ni
siquiera enseña música, sino hace música con sus alumnos” (Hemsy, citado en
Shcafer, p. 9).
Ficha
Nº 6: Cómo y por qué enseñar música a los niños pequeños. La revolución
creativa propuesta por Murray Schafer.
~ Autor: Luis Guerrero Ortiz
~ Año: 2009.
~ Editorial: Lima.
~ Capítulo: Cómo
y por qué enseñar música a los niños pequeños. La revolución creativa propuesta
por Murray Schafer.
~ Resumen
Guerrero
busca hacer un recorrido por los aportes más importantes de Murray Schafer
relacionados con aspectos didácticos y pedagógicos de la enseñanza y
aprendizaje de la música. Huizinga llegó a la conclusión de que los seres
humanos juegan porque es parte de su naturaleza, es un impulso, recorre todas
las edades del hombre y no espera resultados. Asimismo, la música existe y se
practica desde épocas inmemoriales porque permite desplegar plenamente la
condición humana. La importancia de vincular a los niños con la música se debe
a lograr una recuperación del disfrute de los diversos sonidos y desarrollar
una generación de niños con una mayor capacidad para escucharse a sí misma y
conectarse con sus pensamientos y sonidos propios. El docente de la actualidad
de de hacerse cargo de las satisfacciones y riesgos de aprender
música, con libertad creativa y en co-rresponsabilidad entre pares. En relación
con lo anterior, Jurado (2003) explicita que “los aprendizajes y las formas de
vínculo social de los niños y jóvenes dependen menos que antes de los adultos,
derivándose mayores grados de autonomía en sus formas de explorar el mundo, de
socializarse y de educarse”. Por tanto, es necesaria una educación que
considere los intereses y habilidades de los niños y que propicie posibilidades
de desarrollarlos a través de procesos activos, colaborativos y gratificantes.
Schafer, bajo esta línea,
propone que los niños descubran el paisaje sonoro, el potencial creativo para
hacer música y converger la música con el arte, de manera que el aprendizaje
sea multisensorial. La propuesta de Murray Schafer es aprender a escuchar el
mundo como si fuera una composición (paisaje sonoro). En el Paisaje Sonoro
pueden distinguirse tres elementos que contribuyen a la identidad de cada
lugar. Estos son sonidos principales (nota principal), señales sonoras (sonidos
que se escuchan conscientemente) y marcas sonoras (sonido único de un ámbito
geográfico). Schafer cree que el ruido mental y emocional
puede constituir también un enemigo interno (puede actuar como una barrera para
los pensamientos y emociones no gratas) aumentando los niveles de estrés. El
músico cree que podemos aprender desde niños a manejar los sonidos con menos
torpeza y a tratarlos más bien como objetos preciosos. El primer paso para el
aprendizaje de la música es descubrir todo lo posible del sonido; limpiar los
oídos, por tanto, es fundamental.
Para que los niños creen su propia música,
Schafer considera esencial la producción de sonidos. Se debe destinar tiempo al
interior del aula para desarrollar este aspecto, dado que la música está
conformada por sonidos. En segundo lugar, conviene fomentar la producción
creativa de los niños, en palabras de Schafer, encender la chispa. Y el docente
debe tener en cuenta que esta producción ha de ser en la base del ensayo y
error; considerando que los fracasos no son solo fracasos, sino que también
éxitos. Finalmente, Schafer cree que todo profesor debe tener un propio sello
al momento de enseñar, pero dando el espacio suficiente para que el niño sea el
protagonista. El músico cree en la libertad, pero también en las etapas. El
trabajo creativo musical considera esfuerzo y rigor.
Por otro lado, Schafer es enfático en
explicar que la enseñanza de la música no debe estar aislada de la experiencia
humana. “El arte se vuelve en arte y la vida se convierte en vida”. Por tanto,
la creación artística ha de convocar los cinco sentidos y converger las
materias; sintetizar las artes. Lo anterior, está relacionado con el currículum
y Schafer no se ausenta de explicitar su postura frente a la situación de la
educación y a los cambios que debiesen llevarse a cabo. Él asevera que los
cambios curriculares deben permitir a los estudiantes aprender a actuar
reflexiva y creativamente sobre la realidad, teniendo las habilidades para
inventar soluciones y crear caminos nuevos. La educación que visualiza Schafer
es repetitiva, que no da espacio a la creatividad y que enfatiza en la lectura
y en las matemáticas básicas. No entró al aula ni a la enseñanza el desarrollo
de la dimensión personal, afectiva ni creativa. Guerrero afirma que la
pedagogía que plantea Schafer es revolucionaria, puesto que cuestiona y
modifica los roles de la comunidad educativa, mostrando una nueva manera de
enseñar y aprender.
~ Breve
comentario personal
Andrea
Fuenzalida: La propuesta de Schafer es creativa, desafiante e innovadora. Es
gratificante ver cómo especialistas, en este caso, un músico que ha entregado
tiempo y esfuerzo a la pedagogía, vislumbra problemáticas que también nosotras
hemos podido visualizar en el sistema educativo actual. El paradigma educativo
en el que Schafer encauza su enseñanza es muy similar al propuesto por Mills y
que hemos revisado con anterioridad. La convergencia de las áreas en pro de
desarrollar seres integrales, en los que no solo su intelecto se vea
favorecido, sino que también la dimensión afectiva y humana es un enfoque
similar. Es excepcional visualizar cómo Schafer es capaz de escuchar el mundo que
frecuentamos como una gran orquesta; como un paisaje sonoro que tantas veces es
un espacio que pasa desapercibido por el oído corriente; acostumbrado al ruido
constante. Schafer enfatiza en que el aprendizaje de la música no ha de estar
falto de errores y dificultades; la música es compleja, por tanto, requiere
esfuerzo y rigor. En definitiva, la descripción que Guerrero hace de Murray
sintetiza los elementos más significativos para un educador, y curiosamente, no
solo para un educador de la música, sino que para todo educador que esté
interesado en sus propios alumnos.
Beatriz
León: Los planteamientos de Schafer sobre la enseñanza musical, destacan la
importancia de esta para el despliegue completo del hombre, donde los docentes
debemos poseer conciencia sobre cómo ésta enseñanza influye en el desarrollo
integral de los alumnos, siendo fundamental la visión de mundo que él nos
presenta, un mundo con musicalidad constante, en un entorno sonoro donde también hay ruidos, pero que con la adecuada
guía nuestros estudiantes podrán aprender a discriminar, percibir y disfrutar.
Además, propone que esta enseñanza no estará exenta de errores, sin embargo
estos son parte del aprendizaje de los niños, donde se debe desarrollar la
escucha atenta de la sonoridad considerando la autonomía y los intereses de
estos. Creo que es fundamental que dentro del curriculum nacional se le otorgue
la importancia que poseen a las asignaturas artísticas, ya que sólo de esta
manera se logrará potenciar y desarrollar al máximo las capacidades, para que
nuestros niños sean personas integrales.
~ Recursos
anexos apropiados al texto
~
¿Interesado en la
propuesta de Schafer? Revisa aquí su biografía.
~
El rinoceronte en el aula. Libro completo de
Murray Schafer. Puedes descargarlo haciendo click aquí.
~ Muestra de arte sonoro: El bosque. ¿Quieres escucharlo? Deleita tus oídos con solo un click.
Juego: Compás musical
Objetivos
~ Construir compases según cifras indicadoras.
~ Conocer y comprender los valores de las figuras rítmicas.
~ Distinguir figuras rítmicas por su nombre.
~ ~ ¡Aprender y divertirse!
Materiales:
40 naipes con las siguientes figuras rítmicas: redondas (4), blancas (6), negras (10), doble corcheas (10), cuartinas (6), silencios de negra (4). Fichas especiales (8). Cifras indicadoras (3). 1 dado (opcional). ¡Muchas ganas de jugar!
El número de jugadores debe ser superior a tres. La
edad de los participantes debe superar, idealmente, los 8 años.
¿Cómo jugar?
~ Se barajan los naipes y las fichas especiales. Las cifras
indicadoras se dejan a un lado.
~ ~ Se reparten cuatro cartas a cada jugador. Cada
uno tira el dado, quien saca el número mayor escoge una de las fichas que
contienen la cifra indicadora al azar y la muestra. También pueden elegir quien
empieza de otras maneras, por ejemplo, jugando al cachipún.
~ El objetivo es construir el compás según la
cifra indica, dejando las cartas en el pozo, el que estará en un lugar central,
al que todos los jugadores puedan alcanzar cómodamente.
~ ~ Es recomendable que los turnos se den según las
manecillas del reloj indican. Esto es de izquierda a derecha.
~ Cada jugador tiene derecho a tirar una carta por
jugada al pozo. Cuando el compás se completa, cada jugador debe poner su mano
sobre el y decir “compás”. El último en realizar esta acción, se lleva las
cartas que se han juntado en el pozo y comienza la ronda de nuevo, eligiendo
nuevamente una ficha indicadora.
~ ~ Cuando los jugadores no tienen cartas para completar
el compás, deben sacar las cartas que estimen conveniente del mazo. Lo mismo
ocurre, cuando se han quedado sin cartas.
~ El juego termina cuando se han utilizado todas
las cartas del mazo. Quien posee menos cartas, ¡es el ganador!
¿Cómo usar las fichas especiales?
Las fichas especiales pueden ser utilizadas
cuando el jugador que las posee lo estime conveniente.
~
~ ~ En el mazo hay: dos comodines (pueden ser reemplazados por cualquier carta convenientemente), dos “pierdes el turno” (como su nombre lo
indica, el jugador que está a la derecha pierde el turno de jugar”), dos “giros” (cambian el sentido del juego) y dos “turnos dobles” (el jugador puede tirar esta
carta y junto a ella dos cartas más al pozo).
 |
| Comodín |
 |
| Giro |
 |
| Pierdes el turno |
 |
| Cifra indicadora |
Recuerda: la mejor forma de jugar a
“compás musical” es con tus amigos y compañeros.
¡Que se diviertan!
El desarrollo evolutivo y psicoevolutivo en la
educación musical.
Autor: Pilar Pascual.
Año: 2002.
Editorial: Pearson Educación.
Capítulo: El niño, sujeto de la
educación musical. Desarrollo evolutivo en relación con la Educación Musical.
II. Resumen.
En este
capítulo se presentan una serie de aportes de investigadores sobre la
psicología de la música dando sustento sobre el desarrollo de las capacidades
musicales en nuestros estudiantes.
La psicología aplicada a la música.
La
psicología de la música estudia los procesos mentales que se generan al
escuchar o interpretar música. Esta ciencia no ha sido muy estudiada, sin
embargo, existen planteamientos sobre la música relacionados con:
-
El sentido
rítmico: es uno de los primeros medios de expresión mediante el habla y los
movimientos. Se consideraba que la ausencia de éste, estaba asociada a un
retraso mental, pero Muller-Freinfiels establece que “los efectos del ritmo
influyen más el área motora que a la sensorial”, ya que los efectos rítmicos
generan efecto en los nervios motores lo que genera movimiento corporal.
-
La medida de
las aptitudes musicales: se enfoca hacia los medios de evaluación y medición de
las capacidades musicales. Su principal instrumento es a través de la
observación de las conductas. Seashore (1938) pionero en estos estudios,
estableció que “la música es analizable en sus partes y componentes y que es
posible determinar una jerarquía de talentos”; de manera que se podían distinguir
aptitudes para el ritmo, tono, timbre, armonía, intensidad,
etc. Pero, también existen investigaciones en las que la música es considerada
como un todo y con una capacidad única.
-
Génesis de las
capacidades musicales: el músico ¿nace o se hace? El rol de la educación es
fundamental, ya que mediante la realización o participación en actividades
relacionadas con la música, los estudiantes adquieren capacidades y experiencias
musicales, siendo fundamental su memoria para incrementar su desarrollo
musical. La valoración propia o autoconcepto, puede influir de diversas formas en los niños, lo que también influye en
su adquisición y desarrollo de habilidades y capacidades musicales.
-
Música e
inteligencia: Gardner, en la teoría de las inteligencias múltiples, propone que
“la inteligencia musical influye más en que las otras inteligencias en el
desarrollo emocional, espiritual
cultural”, siendo fundamental, los estímulos que los niños reciban, ya
que “cuanto más estímulo reciba el niño mediante la música, movimiento y artes,
más inteligente va a ser”
-
Música y
cerebro: Las investigaciones al respecto plantean que “la música estimula el
intelecto y mejora el aprendizaje”, enfocadas en el estudio neurológico sobre
los hemisferios, los que son complementarios; en el hemisferio izquierdo domina
el ámbito lingüístico y el derecho la creatividad. De manera que en las
escuelas se estimulen ambas áreas.
Desarrollo de
las capacidades musicales.
En esta sección se presenta un descripción de la evolución de las
capacidades musicales.
a.
Características
del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo I de Educación Infantil
(0 a 3 años): Tomatis plantea que la audición comienza desde el desarrollo embrionario,
específicamente desde la decima semana de gestación. Antes del año los bebes
responden a las estimulaciones acústica mediante el movimiento del cuerpo.
Aproximadamente a los 18 meses ya reaccionan totalmente con su cuerpo ante la
música y tararean canciones. A los 2 años percuten, cantan y se mueven y le
llaman la atención los instrumentos. A los 2 años y medio diferencian los
ruidos de la música. Los factores que más influyen en su desarrollo en este
periodo es la “atmosfera musical
circundante”, lo que se observa en las imitaciones, se desarrolla rítmico y
espacial.
b.
Características
del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo II de Educación Infantil
(3 a 6 años):
-
Aspectos
evolutivos generales:
1. Desarrollo intelectual: En esta etapa se comprenden
melodías, ritmo y canciones; paulatinamente el pensamiento se vuelve más móvil.
2. Desarrollo de la personalidad: Los niños expresan sus
necesidades y emociones a través del lenguaje oral-materno, corporal y musical.
3. Desarrollo Psicomotor: Construcción de imagen propia, se
desarrolla la coordinación mediante el control de movimientos y el cuerpo.
4. Desarrollo Psicosocial: Presencia de pensamiento
egocéntrico, aprendizajes mediante la acción.
-
Aspectos
psicoevolutivos en relación la educación musical:
En la
escolarización se expanden las experiencias y vivencias, y por lo tanto,
también el desarrollo de habilidades y capacidades en el ámbito de percepción y
expresión.
c.
Características
del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo I de Educación Primaria
(6 a 8 años):
-
Aspectos
evolutivos generales: En esta etapa aparece la conciencia y la comprensión e
interiorización de normas, imita modelos de conducta, estando su desarrollo
intelectual basado en las operaciones concretas (Piaget).
-
Aspectos
psicoevolutivos en relación la educación musical: Centrados en expresión (mejor
expresión vocal, tendencia a acelerar tiempos rítmicos, interpreta con
instrumentos rítmicos, etc.) y percepción.
d.
Características
del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo II de Educación Primaria
(8 a 10 años):
-
Aspectos
evolutivos generales: Aumento de la socialización, consolidación de la
identidad, el pensamiento precede a la acción y al igual que en el ciclo
anterior está en el periodo de operaciones concretas. Se completa el desarrollo
neurológico, mejora la coordinación oculo-manual y pie-mano, interpreta con
instrumentos y presenta una mejor noción espacio-temporal.
-
Aspectos
psicoevolutivos: Maduración motriz, realiza pequeñas composiciones, prefiere
canciones con temas de humor, aprecia ritmos, desarrolla curiosidad, etc.
e.
Características
del desarrollo evolutivo y musical del niño del Ciclo II de Educación Primaria
(8 a 10 años):
-
Aspectos evolutivos generales: A los niños ya
no les interesa el juego, se pierde el egocentrismo, la autonomía, se posee una
coordinación general y fina, nociones espacio-temporales, construcción de
abstracciones y se desarrollan habilidades metacognitivas.
-
Aspectos
psicoevolutivos: Desarrollo de memoria melódica y armónica, curiosidad, interés
por la música que está en los medios de comunicación, etc.
III.Breve Comentario Personal.
Beatriz León: Claramente son
demasiados los ámbitos en los que la Educación Musical permite desarrollar
habilidades y capacidades que contribuyen al
desarrollo de las personas. En este sentido, los estudios de Gardner nos
da planteamientos claros sobre las diversas inteligencias que todos poseemos.
Considero que es fundamental, que como futuros profesionales de la educación
conozcamos los planteamientos propuestos sobre este autor y los de Pilar
Pascual, ya que nos dan herramientas para poder organizar de una mejor manera
nuestro trabajo como educadores.
Andrea
Fuenzalida: Pascual hace un recorrido por las características más relevantes
del desarrollo evolutivo de los niños relacionadas con la música. ¿Por qué es
importante que un docente domine estas secuencias? Porque de esta manera podrá
diseñar prácticas educativas más adecuadas para con los estudiantes con los que
trabaja y de esta forma, desarrollar de mejor manera las habilidades y
capacidades de los niños. Es alentador y esperanzador el comentario que realiza
la autora sobre si el músico se nace o se hace; con esta reflexión no hay duda
de que todas las habilidades y capacidades del ser humano son desarrollables,
pero que, sin duda alguna, mientras antes se estimulen, se lograrán resultados
más positivos en los niños.
IV.Recursos anexos apropiados al texto.
Desarrollo de habilidades
rítmicas y mejora de autoconcepto: Los niños bailan.
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